SJKen 的浮光掠影(影評‧美食‧旅行與創作生活手記)

        某一個酷熱盛夏的台北星期天，兩個菲律賓男人，搬著一張沙發，走在台北的大街小巷中，究竟會發生甚麼樣的趣事？ 

        紅色沙發，身穿一藍一黃衣服的男人，這樣的組合，又隱藏著甚麼樣的密碼呢？　

        同樣是大馬華人的導演何廷蔚，不同於蔡明亮拍攝「黑眼圈」的冷調艱澀，以另一種貼近大眾，充滿喜劇情境的風格，來探討外勞在台灣的生活點滴，有趣的是這部探討菲律賓外勞在台灣生活面貌的電影，幕後的團隊卻是由來自馬來西亞籍的導演、印度籍的編劇、美國的攝影師共同組成，同時這部片子的資金，還涵蓋了日本NHK贊助、菲律賓投資，與台灣的國片輔導金的支援，幕前幕後一樣精彩。

        這部電影早在今年五月上映，當時除了受邀為2010台北金馬奇幻影展開幕，也在台北電影節裡播映，映後座談反應熱烈，後來在台北光點電影院上映，還創下國片映演以來，最高週末票房紀錄，締造超過十場滿場的驚人成績。口碑與票方雙獲肯定，讓原先擔心以外勞生活為主題的電影不容易討好，但上映後口碑效應發酵、專業影評、媒體大力報導支持下，寫下了很棒的票房記錄。還沒看過的朋友，這部片因為也入圍了今年金馬獎「最佳新導演」跟「最佳原創佳電影歌曲」，所以在最近金馬獎國際影展中還有安排播映，請把握機會前往觀賞。

        「誰說台灣不是一個開放與包容的社會？誰說台灣觀眾對外勞朋友心存偏見？誰說不同膚色、語言的影迷不能比鄰歡笑，感受到電影故事所傳達，能穿越一切隔閡的共同情感？」何蔚庭在票房受到肯定後謙虛地說：「那些杞人憂天的疑慮和不安，現在都煙消雲散了。」 

       聽到『記錄片』，你的腦海中浮現的是甚麼? 是貧窮無依的弱勢族群，在社會底層辛苦地掙扎求生的血淚? 是揭發政治黑暗貪官汙吏，在密室飲酒作樂荒淫的場景? 是野外貼近攝影，關於大自然生物的成長奧秘? 還是追蹤報導深奧學術研究的實驗成果?  

      不管是哪一面向的聯想，可能都脫離不了跟感嘆、憤怒、黑暗、嚴肅、冰冷等情感的輾轉，所以除非記錄片的議題跟你的生活相關，一般人很少會看紀錄片，更別說要你特別花錢買票進電影院，去看記錄片，特別是當記錄片的主題，報導拍攝的對象是舞台幕後鏡頭下的工作者，而不是那些永遠看起來光鮮亮麗的台前明星偶像。

     但是當你看了下面這樣的一段介紹後，你的心裡會不會浮現一絲好奇，因此勾起了想去一探究竟的慾望?

      『他是台灣人不知道的榮光，卻是多少位大師導演背後的那雙眼睛…他的眼睛穿梭在侯孝賢、王家衛、張艾嘉、陳英雄、行定勳、是枝裕和等國際知名導演們的電影場景之間，他的鏡頭讓張曼玉、梁朝偉、舒淇、張震、桂綸鎂與周杰倫等明星，在電影中綻放了無比的影像魅力..』

(本文有關『乘著光影旅行』的圖片與影片，皆引用自

 1. 台北電影節官網記錄片介紹http://www.taipeiff.org.tw/Film/FileIntro.aspx?id=40&subid=5294&filmID=401 

 2.『乘著光影旅行』電影官網http://www.letthewindcarryme.com/ 與3. Youtube 相關網頁)

       也許你會也許不會，他是誰呢? 他是李屏賓，也就是贏得今年台北電影節百萬首獎的影片---『乘著光影旅行』(Let The Wind Carry Me) 的記錄對象，真正的台灣之『光』。

       李屏賓，1954年生，1977年入行，從事電影攝影33年的光影詩人，這部由侯導的助理導演姜秀瓊，與關本良，一台一港兩位導演，利用李屏賓跟侯導在法國拍攝『紅氣球』的期間，花了將近三年的時間，貼身追蹤拍攝完成的一部紀錄片，片中沒有刻意對攝影大師亮眼成就的歌功頌德，也看不到上述提到記錄片時的嚴肅冰冷。有的只是對一位56歲的攝影工作者，經過多年的努力，對於工作與人生體驗的領悟分享，還有走遍了世界各國，在工作有了所成就之餘，對家人深深的情感，尤其是對多年不曾隨伺在旁的年邁母親，那份夾雜著不捨與疼惜的情感，這部紀錄片，就是記錄著一位北方漢子，走過的大半人生的一份省思，有著人生行旅的滄桑，在許多人豔羨的榮光下，對於家庭與工作之間的難以兼顧，對家人還有人生的一份牽掛與懸念。這部紀錄片沒有太多的粉飾，因為真實，所以讓人感動，電影裡看到的，不僅僅是記錄著這些年李屏賓在攝影上的藝術成就，是的，那些奧秘深刻的攝影技術的確讓人驚艷，融合參雜著東西方美學與禪學的光影魅力的確很玄，但真正感動我的，卻是那份在鏡頭之外，李先生所自然流露，對家人那份深刻的情感。  

       李屏賓從基隆海專畢業後，於1977年起加入電影行業，一開始從中影的燈光助理做起。一個非電影相關科系科班出身的人，從純粹對攝影的一份狂熱，到今天成為國際肯定的攝影大師，其間的心路歷程，絕對是相當艱難的。因為在那個年代，台灣電影工業剛剛起步不久，基本上還是個半手工業土法煉鋼的年代，攝影燈光師又是標準的師徒制，但有限的資訊，與人人都需要有一口飯養家糊口的青澀歲月，老師父難免都要留上一手，以避免吃飯的傢伙，一個不小心就給外人端走，更別提會有老師傅會主動教導，於是像李屏賓這樣初入行的學徒，都是要仰賴隨伺在旁的觀察學習，一點一滴地偷師與用功自學，慢慢地累積成自己的東西，這也養成了李屏賓凡事先主動全盤地細心觀察，也在無形中厚植了他後來更上一層樓的基礎。在片中有一段李屏賓，跟當年一起在中影工作的老同事好夥伴聊天的畫面，兩人跟年輕的攝影助理聊起了一段憶當年的對話，讓人聽了不勝唏噓，原來在那樣資訊有限的年代，學習的過程竟是如此的艱辛。而攝影本來就是考一個人的眼力，這中間要邁向成功的路上，除了要有先天對攝影鏡頭的直覺與敏感天賦，當然更需要後天遇上好的伯樂帶領，而侯孝賢在李屏賓的工作生涯中，正扮演著這樣的一個角色，1985年李屏賓跟候孝賢的相識，正式開啟了兩人的機緣，從那年合作拍攝『童年往事』開始，兩人開始有了緊密長期的合作，也一路拍攝了，多部得到國際影展肯定的電影，包括了

1985 童年往事 

1986 戀戀風塵

「父後七日」電影預告，影片轉載自Youtube http://www.youtube.com/watch?v=X7YGqIV5WWs)

台灣本土嚴肅哀痛的死亡祭祀出殯大事，遇上了西班牙導演阿莫多瓦，最愛的西班牙甜蜜女聲Ana D 唱的Galaxia , 在她那一貫聽來總帶點疲倦，輕柔舒緩彷彿在你耳邊細語呢喃，卻又有種遠遠近近恍若隔世的疏離感時，東西方嚴肅與浪漫的氛圍交錯，本土與國際的文化衝擊，究竟會擦出甚麼樣的火花呢? 請你在8月27日前往影院，看看在今年台北電影節受到矚目與觀眾熱烈迴響的『父後七日』(Seven Days in Heaven) 就能體會了!    

這部改編自2006年「林榮三文學獎」第二屆散文首獎作品(  http://blog.chinatimes.com/essayliu/archive/2006/12/25/138703.html )，由1980出生，年輕的原作得主劉梓潔，從她長約四千字的得獎散文，改編成電影劇本，與王育麟一同執導演的同名電影『父後七日』。故事講述的是父親病逝，女兒跟哥哥回家奔喪，在父親遺過世後七天，遺體火化下葬前幾天，與親友和葬儀社的土公仔、道士等業者之間互動的故事。

電影的劇本對白、演出的形式，都跳脫出已往本土悲傷肅殺的氛圍，電影裡處處仍保有著台灣人獨有的幽默觀點，貼近本土人文的關懷，依舊犀利細膩，但不同於這兩年最夯的『海角七號』與『艋舺』的傳統純正本土味，或是緣自日據時代統治下的時代感傷，或許是因為劇中女主角阿梅，本身就是原作者的身影投射。

於是有了台灣年輕新世代獨有的樂觀視野，可以在保有本土文化意味的前提下，藉由女主角流利的多語言，與跨國工作的背景，很自然地與國際接軌，讓長久以來，我們老在政治與新聞媒體上，聽到高喊『立足台灣，放眼天下』的口號，有了最藝術又生活化的展現。

根據電影節播映後，導演與觀眾的座談互動，還有最近媒體的相關報導中，得知電影是在2007年開拍，為了節省預算，整個劇組移師到導演劉梓潔的老家彰化拍攝，當地的親朋好友都動員了。

就連劉梓潔外公也在戲中客串演出，幫劇中過世父親(太保飾演)的火化與出殯「看日子」的長者。故事的對白的確充滿幽默，但不至於淪為『搞笑』的地步，畢竟這還是一步探討生死大事，還有父女兄妹親子之間，跟死者家屬與殯葬業者之間的互動，只是透過戲劇性的對白與演出，將真實故事中發生的趣事，以輕鬆的筆法展現，但有時候愈是輕鬆以對嚴肅的生死課題，更讓人深刻動容。

「每個人心中都有一封寄不出的情書，不管是寄到天涯，還是...』

 「我在眾人熟睡的甲板上反覆呢喃，我不是拋棄你，我是捨不得你 ……。」

 「60年前，寄不出的七封情書， 60年前，說不出的心中遺憾； 60年後，姍姍來遲的愛情地址，  60年後，點燃心中的真情摯愛 ... ...。

 「人只能活一回，夢想卻有無數個，唯有放手一搏，才能知道機會屬不屬於自己……。」 

      『海角七號 Cape No.7 』(http://cape7.pixnet.net/blog/)應該是近年來繼『練習曲』另一部雅俗共賞的國片，其實片中探討的愛情加音樂的夢想追逐，題材並不陌生，但勝在有個擅長講故事的高手----本片導演魏德聖先生，他跳脫一般國片導演，為了資金不足問題，而刻意選拍一些，專給特定族群觀賞的題材窠臼，以維持基礎票房的考量，轉而以略帶喜劇性的敘述說法，來跨越維持電影銷售基本盤的挑戰，從去看過後的朋友之間，傳出的口碑來看，還有目前公佈的票房狀況，可能會是另一部繼『練習曲』之後相當賣座的國片。魏德聖先生曾任楊德昌《麻將》副導演及電影《雙瞳》策劃。1999年以《七月天》驚艷台灣影壇，2004年，為了突破台灣電影市場受限於資金規模而無力拍攝大格局、大製作的現實困境，自籌250萬元資金，拍攝了《賽德克．巴萊》5分鐘試拍片，企圖證明台灣的影像創作實力，再次震驚中外影壇，而今年八月推出的個人首部劇情長片《海角七號》，耗資新台幣5000萬元拍攝而成，也走出了因預算限制，只能拍拍小品的國片困境，和『練習曲』相似的是一樣充滿台灣人情味，差別是『練習曲』給人溫馨感受較多較濃郁，而『海角七號』則充滿了南臺灣大小人物生活的智慧，與樂天向上的態度。關於愛情與音樂兩條故事的發展主線，在導演高超技巧的引導，又細膩的敘述中，有了十分貼近而栩栩如生的人物個性刻畫，有了精采的劇本對白，再加上導演大膽又巧妙地選角，職業與非職業演員之間擦出的火花，在自然而不過分誇張的演出中，處處給人一種會心一笑的幽默，但又不會損及另一條以愛情故事為主幹的浪漫深情，所以看完後，有著一種快樂又清明的感覺洋溢在心頭。

          導演的企圖心夠大，本身說故事的技巧也好，故事的時空跨越60年，從日本到台灣，1945年日本戰敗後，一位在台教書的日本老師隨軍隊返日，留下了一段跟台灣女孩沒有結局的愛戀，而這段往事，在60年後，由原本是在台北玩Band的男主角，因發展不順遂，回到故鄉墾丁暫時擔任郵差的男主角，在處理投遞信件的過程中，無意間發現日本老師當年寫的七封情書，而重新追尋的過程中展開，這一段浪漫又哀傷的愛情故事，與同時正在進行因為地方音樂祭，在邀得日本知名歌手『中孝介』來台演出後，疼惜兒子的男主角父親，一方面希望透過留住年輕一代為家鄉盡力，另一方面也為了幫助兒子實現音樂夢，而跟鎮長力爭有一個當地樂團共同演出的機會，而在時間壓力與人才欠缺的前提下，一場充滿台灣人特有的樂天知命的選秀與組團表演，變成了另一條電影主線，同時也因人物巧妙的安排，60年前未能完美的中日異國戀情，60年後，在男主角與擔任演出經紀人的日本女主角之間，有了類似時空對映與情感傳承的象徵意義，電影裡也觸及了台灣這些年的社會生活形態的演變，不同世代的人心思維差異，表現對人對事還有工作上的態度的落差，種族之間與親子之間價值觀的衝突，不同語言文化異國戀情的誤解，傳統文化的式微與保存等等命題，都在看似輕鬆詼諧的氣氛中，被一一掀開又蓋住，導演顯然是讓觀眾各取所需，要觀眾自己做選擇。

       你當然可以簡化地看待，這只是一個長版的音樂愛情故事，一支充滿浪漫戲而不謔的愛情MV，好像所有在上一段剛剛提及的，這些年台灣社會所遭遇的難題，通通都能藉由愛情與音樂，這兩個跨越時空、種族、語言文化限制的元素而逐一化解；當然你也可以再深入地去思索，在這部充滿所有賣座的商業元素表面之餘，導演還想透過電影傳達給所有在台灣的人們，甚麼樣的思考？一如片中男主角在面對在大都市競爭失敗的情況下，既不甘心一直待在故鄉發展，卻又不得不面對現實生活壓力，重新歸零與摸索自己的生命之路時，那其間的心路歷程與轉折，其實很值得許多不同的人們去思考，同樣的在片中連中日之間，上一代有著多年來戰爭統治歷史傷痕的糾纏情仇，都能在新一代即便還是有著異國文化語言思考等衝突的問題下，都能經由溝通，在這部片中用了音樂與愛情，而達成了雙方的重新思考，那麼身處在同一個土地上，說著同樣語言的台灣人，究竟能在看完哈哈大笑之餘，從片中多領略了一些甚麼，同樣是值得去思考的，如果你還不曾去看過這部片子，不妨找個時間去看看。(http://cape7.pixnet.net/blog/category/1180065)